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Merci Monsieur Bouli Lanners de m'avoir emmené dans ta 4e dimension.
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Still the water , dés le début on y égorge en gros plan vraiment une chèvre, totalement répugnant ,alors que ca aurait été facile avec un vrai réalisateur conscient de son sujet de faire croire qu'on la tuait plutôt que de le faire vraiment , j'ai vite zappé , on croit voir un film d'auteur mais ça renoue avec la facilité d'un Cannibal Holocaust, les snuff movie ce n'est pas mon truc !
Emmanuel Piat a écrit:Still the water , dés le début on y égorge en gros plan vraiment une chèvre, totalement répugnant ,alors que ca aurait été facile avec un vrai réalisateur conscient de son sujet de faire croire qu'on la tuait plutôt que de le faire vraiment , j'ai vite zappé , on croit voir un film d'auteur mais ça renoue avec la facilité d'un Cannibal Holocaust, les snuff movie ce n'est pas mon truc !
Still the water parle de la vie et de la mort, de cette frontière si ténue qu'on ne peut percevoir ou saisir l'instant du passage de l'un à l'autre. C'est un film très fort qui impose une charge émotionnelle énorme sur le spectateur lors de certaines scènes. On se prépare sans cesse à la mort dans ce film. Et on apprend en réaction à profiter de la vie. Je me souviens avoir pleuré pendant de longues minutes lorsque la maman meurt de cette agonie si lente et si belle. J'ai pleuré à cause de sa mort bien sûr, qu'on sait inéluctable, mais aussi à cause de la beauté et de l'humanité qui ressort de cette cérémonie villageoise qui accompagne ce passage ultime si difficile à saisir. Toute cette vie avec les chants et les musiciens qui entourent la personne agonisante et semblent comme miraculeusement la ramener à la vie offre un contraste saisissant. J'aimerai mourir ainsi.
autrichon gris a écrit:Kishizo confirme le chef d'oeuvre. Il a raison chers amis !!
Pas besoin de montrer la mort pour en parler, c'est de la pure facilité de mon point de vue, surtout si on tue vraiment a l'écran !
J'ai remarqué une chose plus les films sont vides et/ou ils ne se passent rien, plus le spectateur a tendance a projeter sa propre histoire et voir ce qu'il veux , il faut bien combler le vide .
jhudson a écrit:C'est un replay en HD ?
Sinon tu perdra en qualité d'image.
Il a fallut faire un financement participatif car l'argent que proposait les chaines et le CNC n'était pas suffisant, la pellicule du film étant tellement abimé que de gros travaux de restauration devaient avoir lieu !
Ces restaurations sont finaux c'est donc de l'argent bien dépensé, ça permet de préserver les films pour les générations futurs !
jhudson a écrit:Oui la plupart des acteurs ont un jeu réaliste, mais ce n'est pas le cas des 2 acteurs principaux qui en plus sont des acteurs sans grande expérience , pour Brigitte Helm c'était son tout premier film et ça se voit , c'est surtout le robot qui est resté dans les mémoires moins son double humain.
Les 2 acteurs ont surement suivi a la ligne les directions de Lang sans rien remettre en question, un bon acteur ce n'est pas cela il réfléchit sur son jeu , ce n'est pas un soldat sans âme aux ordres ou un pantin !
Ce qui peux amener des conflits avec le réalisateur ou avec l'acteur lui méme , je connais nombre d'exemple , n'importe quels acteurs auraient fait l'affaire du moment qu'ils soient malléable pour Lang, on dirait qu'ils ont été choisi juste pour leur look de jeunes premiers !
Le cinéma allemand a produit deux icônes qui sont restées dans la mémoire cinématographique mondiale : la Marlène Dietrich de L'Ange bleu et la Brigitte Helm de Metropolis. Les débuts des deux comédiennes eurent un rayonnement incomparable, mais Brigitte Helm ne parvint jamais à se défaire de cette lumière néfaste : elle avait créé avec Fritz Lang une image de vamp ou de femme fatale dont elle devint la victime. Cette dualité se trouvait déjà inscrite dans son double rôle de Metropolis. "Son regard perçant, pénétrant, tellement aiguisé qu'on voudrait l'éviter. Les yeux fins un peu fermés, les pupilles grandes et sombres, braquées vers le haut, froides et profondes comme la pointe d'un fusil à deux coups. Ce corps : épaules larges, taille fine, le bassin en avant comme pour provoquer. Et les mouvements raides, anguleux, brusques comme les traits vifs de l'expressionnisme." écrivit le quotidien Frankfurter Allgemeine Zeitung à sa mort. Lang créa avec Maria l'allégorie moderne de la putain Babylone et de la Jérusalem céleste. Helm exprime, par sa métamorphose de l'ange des masses en robot, la vision d'une métropole où tout est mécanisé et voué à la destruction. "La vierge Maria a des geste gracieux, harmonieux, réservés, et sa démarche est recueillie, presque planante. Elle baisse la tête. Le robot Maria se caractérise par des gestes exaltés, des mouvements agressifs, spasmodiques, soudainement figés, des contorsions d'épaules, une mimique asymétrique et une démarche vigoureuse". constate Andrea Böhm dans un essai sur Brigitte Helm.
En effet, l'expressionnisme est la racine du jeu de Brigitte Helm et c'est ce jeu ainsi que son visage immuable qui lui causeront des problèmes par la suite. La critique de l'époque exprimera des réserves d'ordre plutôt idéologique à la sortie de Metropolis, mais acclamera la comédienne dénichée par Fritz Lang : "un nouveau talent", déclare le critique Herbert Jhering. Brigitte Helm aura du mal à renoncer à ses arguments expressionnistes, et une certaine théâtralité marquera son jeu tout au long de sa carrière au cinéma. Son visage limpide, régulier et sévère, conditionne son travail d'actrice. Son nez est droit et long et semble se prolonger dans la courbe des sourcils. Sa bouche est grande, ses lèvres minces et ses yeux très grands.
Comme le note le critique Robert Müller, c'est la régularité parfaite des traits bien marqués qui donne quelque chose d'irréel et d'inquiétant à ce visage. Il n'était pas facile pour les opérateurs d'en rendre toutes les qualités. Pour paraître plus humaine et moins hiératique, la comédienne défaisait ses coiffures ou ajoutait une ligne oblique, par exemple un chapeau. Elle avait un registre expressif limité et tentait par un regard accentué de surmonter sa propre impassibilité. Elle avait un visage unique et c'est bien pourquoi la UFA la choisit pour illustrer une célèbre affiche de Metropolis. Siegfried Kracauer parla alors de son apparence "préraphaélite", et Rudolf Arnheim ironisa dans Weltbühne – l'hebdo des intellectuels – sur son allure de fantôme anémique mâtiné de Grèce antique.
L'expression corporelle formait un complément intéressant à son expression faciale un peu figée, parfois raide. Son corps était long, svelte et souple, et la critique en soulignait le caractère "félin" : on la comparait souvent au serpent ou au chat. Même si Brigitte Helm affichait un érotisme froid, son apparence toute entière trahissait son image de marque : la vamp, mangeuse d'hommes et énigmatique à souhait. Pourtant, au début de sa carrière, le génial Georg Wilhelm Pabst l'utilisa à contre-emploi, lui faisant incarner une aveugle dans L'Amour de Jeanne Ney (1927) ; Wolfgang Jacobsen écrit à ce propos, dans l'excellent volume consacré à Pabst par la Berlinale 1997 : "Pabst met en scène l'antagonisme qui est en Brigitte Helm. Il réduit la sensualité moderne de son corps en la privant du sens de la vue. Quelle gêne étrange le pousse à planter dans l'obscurité une comédienne qui est un symbole érotique du cinéma, à la laisser jouer à tâtons ?".
http://www.festival-larochelle.org/taxonomy/term/188
menthalo a écrit:jhudson a écrit:C'est un replay en HD ?
Sinon tu perdra en qualité d'image.
Il a fallut faire un financement participatif car l'argent que proposait les chaines et le CNC n'était pas suffisant, la pellicule du film étant tellement abimé que de gros travaux de restauration devaient avoir lieu !
Ces restaurations sont finaux c'est donc de l'argent bien dépensé, ça permet de préserver les films pour les générations futurs !
Les Replays en FreeBox me donne du 720 x 576, çà doit être être du HD Ready
Vu FANNY puis CESAR
FANNY c'est du vrai mélodrame à l'ancienne, cela vieillit moins bien que le reste
CESAR date de 1935 et la qualité d'image a vraiment fait un bon et la restauration mets çà en valeur : on dirait presque une épisode de Plus belle la vie en noir et blanc![]()
Un grand bravo pour cette restauration qui donne vraiment un grand plaisir de revisionner ces classique du cinéma d'avant-guerre![]()
Je suis en ce moment au second épisode des Misérables de Raymond Bernard sortis en 1934
Premier film : Une tempête sous un crâne (1 h 41)
Deuxième film : Les Thénardier (1 h 21)
Troisième film : Liberté, liberté chérie (1 h 23)
superbe restauration effectué en 2012les technologies numériques ont du bon !
Kishizo a écrit:
Un acteur peut-être un pantin aux ordres du réalisateur, c'est même préférable cette subordination que l'inverse. Quand un acteur est le maître, le film peut-être bon en catégorie divertissement mais on n'est pas dans le même créneau. Dès qu'il y a Delon, Belmondo, Depardieu, Johnny Depp, Tom Cruise, Di Caprio etc... le film aura a priori un intérêt et vaut le visionnage si on apprécie le gaillard en question. Malheureusement, il arrivera très souvent que la qualité cinématographique ne soit pas au rendez-vous par défaut de talent du réalisateur ou parce qu'il se sera fait bouffer par ces monstres sacrés. A l'inverse un film réalisé par un grand réalisateur peut se passer de ces bouffeurs d'image
La configuration dans mon profil
Alice Winocour a commencé par s'intéresser aux photographes de guerre ayant du mal à retourner à la vie civile après avoir vu des choses atroces sur le terrain. La cinéaste a ensuite rencontré des soldats de retour d’Afghanistan qui présentaient les mêmes symptômes d'angoisse voire même de violence une fois de retour du front. De cette manière, le personnage de Vincent campé par Matthias Schoenaerts est né. Elle explique : "J’ai imaginé que mon personnage serait un soldat à qui l’on dit qu’il ne peut pas repartir en opération, comme un ouvrier usé qu’on met à la casse. Et que le trajet de ce personnage serait celui de quelqu’un qui reprend possession de son corps. L’idée du film d’action est venue de là, du personnage. J’avais aussi envie d’aller vers un territoire généralement réservé aux hommes, celui du film de genre. Il y a certainement dans mon choix l’idée de réaffirmer que pour les réalisatrices aujourd’hui, « tout est permis »."
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